Vous aimez la peinture artistique, vous aimez aussi l'Impressionnisme !

Cette grande aventure des artistes-peintres de la fin du XIXe siècle commence vers 1860 pour s'achever après la Première Guerre mondiale.

Cependant, le mouvement impressionniste va marquer beaucoup d'artistes jusqu'à aujourd'hui.

Faut-il continuer à peindre de la même manière de nos jours ? Personne ne peut l'interdire, pourtant, il est possible d'évoluer, car depuis cette époque trop de nouveaux courants artistiques, ou pas, se sont littéralement engouffrés dans cette brèche ouverte face à l'emprise académique.

Il est certain que tout s'essouffle dans l'art, et même l'art contemporain bat de l'aile, il semblerait qu'un retour vers plus d'émotion, plus de sincérité, commence à émerger, lentement.

 

Ce préambule, historiquement bien réel, me permet de vous expliquer mon principe applicable à notre époque : Rester dans la tendance Impressionniste pour peindre, en essayant d'aller un peu plus loin, en toute modestie !

Donc, je vais exposer mon idée, qui n'est pas une méthode, ce qui n'aurait aucun sens, mais plus simplement une évolution logique : le Perceptionnisme !

Au départ le perceptionnisme ne s'exprime que par une attitude philosophique dont il faut extraire ce qui s'applique essentiellement à la peinture artistique, sinon on peut se perdre dans l'inutile :

 "On peut simplement dire que le perceptionnisme est une idée d'après laquelle l'esprit, dans l'acte de percevoir, a une conscience immédiate et par conséquent véridique de la présence d'une réalité extérieure à lui. "

Concrètement, ceci est exactement l'émotion d'un peintre derrière son chevalet devant son sujet, une attitude humble, éloignée des calculs obscurs contemporains, et son rôle est d'établir, par son travail, la connivence possible entre lui et les spectateurs de son tableau (fini ou en cours d'exécution), et là, ça devient plus compliqué.

 

 

Toutes les écoles d'art n'enseignent pas le dessin d'après modèle, ce n'est pas simple à organiser, surtout depuis les événements de 1968 qui ont modifié tant de notions dans l'art, et surtout dans les cours d'académie, l'art abstrait devenant la priorité. Aujourd'hui ce doit être encore plus complexe, pour ne pas dire impossible. Il reste le travail en atelier.

Je suivais ces cours privés d'écoles d'art pendant des années, étudier les antiques d'après des reproductions en plâtre était le principe habituel, et plus rare et plus difficile était l'admission dans le cours de modèle vivant.

Dessiner un nu, de femme ou d'homme, est la plus enrichissante expérience pour apprendre l'art du dessin. Toute étude se fait au fusain, à la craie d'art, au pastel, à la mine de plomb, enfin avec tout ce qui permet de travailler vite, car un modèle vivant ne peut poser pendant des heures. Je me suis habitué à faire des dessins rapides, croquis sans détails, étude des proportions, rapport de mouvement aussi.

Pour ce genre de recherche, il faut travailler sur papier grand format, genre raisin 50 x 65 cm, sinon le geste est étriqué et le résultat sans ampleur. Et l'essentiel est de saisir l'essentiel, non pas le petit grain de beauté sur le bout du nez, mais appréhender l'enveloppe charnelle qui d'un seul coup va traduire l'émotion devant le modèle. Les baigneuses Cézanne en sont l'exemple.

 

 Toute cette inépuisable série de mes petites nanas (qualifiée de pornographie lors de ma dernière exposition à Lisieux !!!) portait un titre "Les filles de la plage", un petit clin d'œil pour leur attitude dénudée sur des galets.

Je ne vais pas vous les montrer toutes, ce serait fatiguant... 

Pourtant, spécialement, aujourd'hui, vous verrez la dernière qui un jour d'été était venue s'échouer sur un de mes galets. Une belle nageuse au crawl envoûtant, dont le chant... chut ! C'est fini, je ne veux plus partir en voyage...

 

Pour finir cette galerie, je vais terminer par la plus innocente de mes petites statuettes, si tant est que les autres ne le soient pas aussi !

Depuis une dizaine d’années, j’ai arrêté de modeler ces petites figurines, mon atelier maintenant à Lisieux n’est plus fait pour ce genre d’exposition, c’est dommage !

        Et j'ajouterais, évidemment, que la foule d'amateurs de ce genre d'art n'existe pas à Lisieux...

 

 

Le dessin en sépia et noir à la craie d’art m’a été utile dans beaucoup de modelages. La figurine dorée en est une variante, un peu mouvementée.

On peut observer que lors de la composition d’une figurine en modelage, comme en sculpture aussi, l’artiste est libre de créer une pose du modèle en déséquilibre. 

La raison en est simple. Les volumes étant visibles sous tous les angles, ce déséquilibre devient mouvement. Dessiner dans ce même principe sur une surface plane donnerait un sentiment de malaise.

 

Il me fallait avoir trouvé ce superbe modèle d’une sportive pour accepter cette pose à la limite de l’équilibre. Une originalité pourtant tout à fait dans le sens artistique.

Cette image montre la simplification totale du visage, ce qui accentue par ailleurs le modelé général du corps athlétique.

  

 

 

 

Même avec un léger changement gestuel, la forme d’une silhouette sur un bon croquis reste la meilleure façon, pour un artiste de reprendre les bonnes proportions, dans une sculpture ou un modelage.

 Ce dessin, un des innombrables que je faisais au fusain, est réalisé en fait en pose rapide, quelques minutes suffisent pour noter l’essentiel le plus juste possible. C’est un exercice d’étude qui permet d’acquérir la vision globale des formes, les unes par rapport aux autres.

 

 

En dessin comme en modelage, j’attache une grande importance à la chevelure. La coiffure est un symbole essentiel de la féminité. Le même modèle avec une chevelure différente change radicalement de silhouette. 

Cette pose, reposante d’apparence, dégage une sérénité corporelle entièrement exprimée dans la courbe du dos.

Quelle que soit la dimension d’une œuvre artistique dont le but est de représenter le corps humain, femme ou homme, le respect est, pour moi, essentiel.

Ce qui veut dire que les proportions doivent être respectées si la beauté est au cœur de la démarche.

Si l’artiste ne veut finalement que surprendre, créer autre chose que la beauté, se distinguer dans la laideur, je ne citerais aucun nom, alors qu’il fasse n’importe quelle élucubration, ce sera d’ailleurs le meilleur moyen d’être considéré comme un génie !

 

 

Le même modèle que précédemment, mais ici la masse des cheveux est plus apaisée tout en étant mal coiffée, la jambe moins repliée paraît plus sage…

 Ceci peut sembler de simples détails sans importance, pas du tout, sous les yeux d’un acheteur qui regarde plusieurs modelages de prime abord ressemblant, ce sont justement ces petites différences qui emportent le coup de cœur.

 

 

Voici un bon exemple de recherche de mouvement, car bien que statique, le sujet doit « vibrer ».J’ai simplement relevé les longs cheveux, ce n’est pas logique, mais c’est superbe. Et puis replier une jambe, ajoute un peu de malice, un jeu espiègle !

 

 

Mon dessin, à la craie d’art couleur bistre, m’a servi de base dans plusieurs modelages, le plaisir étant d’obtenir d’autres variantes.

 Remarquez que les frottis à la craie donnent déjà le modelé des ombres que l’on retrouve ensuite dans le modelage.